上海
（2026.04.30，上海）作为复星艺术中心“中国艺术国际化”研究项目的重要组成部分与又一实践案例，复星艺术中心将于5月22日至6月21日举办艺术家沈忱个展“几何·雾”。本次展览横跨复星艺术中心二层与三层两个展览空间，集中呈现沈忱自1989年至今创作的五十余件作品。展览由鲁明军策展，通过纵向的时间脉络与艺术家横向的媒介探索，梳理其由水墨转向丙烯与综合材料的创作演进，是沈忱又一次在国内重要机构的个展。
沈忱1955年出生于上海，其早年的艺术生涯深受中国传统绘画的浸润，将水墨画中丰盈与虚无之间构筑出的抽象意境融入个人创作。在这一时期，沈忱就已经将纸张平铺于地面之上，穿着草鞋围绕四周行走或直接踩踏在纸上进行创作，成为其核心创作方法“平台式绘画”的早期实践。1988年，沈忱赴美求学，随后移居纽约。在这一时期，受贾斯珀·约翰斯（Jasper Johns）的影响，沈忱进一步思考绘画的“物化”与“去人性化特质，逐步脱离水墨媒介，以运用颜料自身的物质属性来取代笔触所承载和投射的情感。
但随后受极简主义及其相关艺术家的影响，如安格尼斯·马丁（Agnes Martin）、唐纳德·贾德（Donald Judd）、罗伯特·瑞曼（Robert Ryman）、弗雷德·桑德贝克（Fred Sandback）等人，沈忱开始在新的文化语境中重新思考绘画的材料性与形式逻辑，其画面逐渐呈现出微妙又丰富的层次渐变，且善以明暗关系展现情感张力；而对灰白棕黑色调的运用，则植根于沈忱自中国传统水墨画中汲取的哲学思维方式。22005年贾斯珀·约翰斯在大都会艺术博物馆的“灰色绘画展”也进一步启发了沈忱于2009年后逐渐形成“复色灰”的观念，他的“平台式绘画”以手工方式完成近乎机械般精确的绘制，使纵向笔划反复叠加而形成横向的延展色带，最终在画面中呈现层次堆叠的灰度。至此，沈忱创作的精神内核得以更明晰地浮现出来：在他的理解中，“气”（呼吸的运动与身体的能量）贯穿于每一笔竖直线条的落笔与收笔之间，从而展示出不断变化、无穷无尽的画面空间。
这也正是策展人鲁明军将本次展览命名为“几何·雾”的原因，沈忱的艺术语言始终在两种核心维度之间展开，一方面是理性、秩序与结构；另一方面则是模糊、流动与感知的不确定性。
展览空间的设置亦呼应了这一创作逻辑，二层展厅囊括了沈忱自2018年至今完成的多件 “平台式绘画”的画作。这些作品以高度提炼、精密排列的灰色笔触，在观者眼前铺展出一片沉静、深邃、弥漫性的“复色”；而画布上笔触开始与结束的精确轨迹，则又形成一种有秩序的、不同层次的画面。
沈忱作品多以丙烯绘制于画布或纸本之上，而连续的三联与五联画结构呈现在空间中，形成延展性的视觉节奏。但若沿展览中的画作逐一辨析，又可以看出沈忱画面中所呈现的“雾感”并不直接与色彩晕染相关，反而是由无数笔直、均匀、纵向延伸的笔触精准描绘而来。此即为沈忱作品的特性：以视觉的朦胧感显示出理性与精确的控制，因而让平面的构成秩序转化为深度的空间，两者相互转化、相互影响，最终形成一种既能延续东方传统特质，又具有绘画当代性的个人风格。
三层展厅则更为细致地追溯了艺术家早期的探索性作品与档案文献，时间跨度从赴美初期的纸本混合材料作品（如1989年的三联纸本混合材料作品、1990年代的油彩与丙烯并置实验），到2002年以宣纸裱于画布上再施水墨丙烯的复合媒介探索，再至2000年代中期“平台式绘画”过渡阶段的作品。展厅将一部分较小尺幅的早期实验性作品与文献资料并置，营造出更为内省且连贯的观看体验，使观众得以贴近艺术家的思考路径及其创作演变。
沿着展览路径回望沈忱三十余年的创作历程，可以看到一位艺术家如何在不同文化语境与媒介之间不断调整自身位置：从水墨到丙烯，从自由笔触到精确的画面排布，沈忱最终以不断重复的结构、笔触和色调中细微差异的变化，拓展了绘画的感知边界。
正如策展人鲁明军在前言中所指出的：“沈忱的绘画并非对传统水墨意境的直接转译，而是在西方现代主义的形式逻辑框架内部，重新构筑出一种可感的东方审美经验。”这片“几何·雾”不属于任何单一的文化谱系，它是两种绘画方式在一位艺术家身体力行的劳作中，悄然生成的第三种可能。
沈忱1955年出生于上海，是中国抽象绘画及实验水墨的先锋艺术家之一。他的绘画创作一直以来都十分注重过程与材料。近年来他通过自己对中国水墨传统的了解和认知，从而重新发掘丙烯颜料的其他可能性。
在沈忱早年的艺术生涯中，他被两位传奇佛教僧人画家——梁楷和八大山人——的笔法深深吸引。他着迷于中国传统水墨画中水墨与留白之间的能量，这创造了介于丰盈与虚无之间的抽象。沈忱被认为是中国当代抽象和实验水墨画的领军人物之一。
沈忱1988年前往美国求学，自此他开始运用西方的丙烯颜料媒介，通过对水墨特质的训练和了解来重新探讨这种材料。他将画布置于地面进行创作，用一种身体内省的姿态，将笔触层迭在画布上。沈忱把他的气（呼吸运动和能量）的流动结合起来，通过竖直笔划的叠加以形成一条条水平线，标记出笔触的开始与结束。从沈忱的画布上浮现出的是一个不断变化、无穷无尽的空间。沈忱的作品中微妙的色调渐变让人联想到40和50年代纽约色域绘画风格，然而他的艺术实践植根于中国传统水墨画的哲学思维方式。
沈忱通过在画布上涂绘一层层的丙烯颜料来增加画面的深度，直到他感觉到自己的“气”已经离开身体才会停止，而这时他也触及到真正的虚空。他的作品拥有一种瞬时性，在虚实的笔触中激发出往复的对话。艺术家现生活工作于纽约及上海。
沈忱的作品被纳入全球众多公共机构及重要私人收藏，包括美国普林斯顿大学美术馆，上海复星基金会，比利时维伍德.梅基金会，美国杜克能源集团，德国REYDAN WEISS 收藏，上海SIMIAN基金会，美国强生&强生基金会，香港卓君艺术基金会，阿姆斯特丹KZO NOBEL艺术基金，阿姆斯特丹STIBBE基金会，北京今日美术馆、悉尼白兔美术馆、柏林ME美术馆、阿姆斯特丹FRED REFERINK收藏，上海大学美术馆等等。
复旦大学哲学学院教授、博士生导师，策展人。在《文艺研究》《美术研究》等刊物发表论文数十篇。近著有《美术变革与现代中国：中国当代艺术的激进根源》（2020）、《前卫的承诺 :〈十月〉访谈录》（2023）、《无名的艺术力：论形式意志与图像潜能》（2025）等。策划“疆域：地缘的拓扑”（上海、北京，2017—2018）、“在集结”（沈阳，2018）、“靡菲斯特的舞步”（上海，2021）等展览。
